Durante la segunda semana de febrero (aproximadamente del 6 al 12) la Semana del Arte en la Ciudad de México es uno de los eventos culturales más importantes del año en la capital mexicana y un destino, tanto para amantes como artistas. Para iniciar la semana te presentamos tres nombres clave de la escena del arte de distintas disciplinas en la Ciudad de México, que con su trabajo, dan cuenta del movimiento artístico que se vive en la urbe. Ellos son: Diego Vega, Hugo Huerta Marin, Erick Meyenberg y Ana Segovia.
Total look Prada.
Diego Vega
Bailarín, coreógrafo y autor de danza contemporánea, así como director de Trazo Ciclo de Danza y Espacio. Dedicado al estudio, exploración del cuerpo, el movimiento y la creación, colabora con artistas que aportan diversos enfoques disciplinarios a su discurso dancístico con el fin de expandir la danza hacia formatos alternativos de presentación.
Su propuesta se basa en el desarrollo de laboratorios y procesos creativos, en donde se manifiesta como uno de los ejes centrales, la arquitectura a nivel espacial, histórico y experiencial, así como la investigación de herramientas corporales con el fin de encontrar canales que conduzcan a estados físicos y mentales de gran profundidad.
Ha expuesto su trabajo en recintos teatrales, espacios alternativos, galerías de arte y museos nacionales e internacionales. En 2015 fue galardonado al Premio Nacional de Video Danza Agita y Sirva con el documental- ficción La Piel del Otro, mención especial en Festival Internacional de Cine en el Desierto (FICD5) con el documental Skin y nominado como coreógrafo por mejor obra en la categoría Danza Moderna de los premios Lunas del Auditorio Nacional en 2018.
BADHOMBRE (BH): ¿Qué piensas del ascenso del artista como celebridad?
Diego Vega (DV): “No sé si la palabra ascenso sea un concepto que relacione con ser una celebridad. La exposición en mi experiencia ha funcionado de cierta forma por el contexto en el que resido; la danza contemporánea en México es un arte rezagado que solo atiende al sector institucional y académico, ambos, sin auge ni visibilidad y con un estandarte de precariedad en todo sentido.
Es por eso, que creo en la idea del artista en relación con ese tipo de exposición más amplia y comercial; es benéfica como serán las herramientas que ayuden a visibilizar la práctica y la profesión y generar un público. En lo personal, no puedo imaginarme cómo sería ser una celebridad, pero me gusta pensar que mi arte llegará de forma masiva a quién tenga la sensibilidad de apreciarlo”.
BH: ¿En qué momento de tu carrera te sentiste como un artista exitoso?
DV: “Creo que desde que inicié entendí que el éxito está ahí, en tener la capacidad de decidir hacer lo que deseamos. Creo mucho en ese factor como sinónimo de éxito: dedicarme a lo que me apasiona y vivirlo con libertad me hace sentirme afortunado y exitoso”.
BH: ¿Cuál es tu concepto de belleza?
DV: Para mí, la belleza es eso que de forma individual nos permite estremecernos y admirar. Reconozco la belleza cuando algo me atrae y me invita a contemplarlo. Todo eso que me seduce sin importar o ahondar en corrientes ni estéticas”.
BH: ¿Qué es lo que te inspira?
DV: “La inspiración para mí nunca será algo estático. Conforme voy creciendo, como persona y artista, la inspiración va cambiando. Hay patrones o conductas claves en mi trabajo como la arquitectura y la relación del ser humano con la naturaleza, el ritual, la magia son fuentes muy vivas de inspiración en mi obra pero incluso así, vienen de distintos lugares con distintos acercamientos. Entonces, no lo sé, diré que me inspira el comportamiento del ser humano y su relación con el universo”.
BH: ¿Tienes algún sueño recurrente?
DV: “Es curioso, porque no suelo soñar y los pocos sueños que recuerdo son pesadillas. Mis pesadillas tienen que ver siempre con ser perseguido, a veces en el espacio en un satélite o en un desierto en el oeste, ambas recaen en el temor a ser encontrado”.
BH: ¿Qué es lo más honesto que puedes decir acerca de ti?
DV: “Diré que aceptar que soy un hombre perturbado y lleno de traumas ha sido el acto de honestidad más tremendo para mi persona. Eso me ha permitido sanar y evolucionar en muchos aspectos de mi vida”.
Pantalón Ferragamo.
Hugo Huerta Marin
Es un artista multidisciplinario cuyo trabajo se centra en los temas de género e identidad cultural. Nació en la Ciudad de México, pero se mudó a Nueva York desde 2012, donde radica hasta la fecha. Esto le ha permitido colaborar con instituciones culturales en Estados Unidos y México, incluido el Solomon R. Guggenheim Museum.
En 2014 se incorporó al estudio de la artista Serbia Marina Abramović como director de arte. Juntos han colaborado internacionalmente para espacios culturales como el Royal Danish Library, Copenhague; Sesc Pompeia, São Paulo; Moderna Museet, Estocolmo; CAC Málaga, Málaga; The Art of Elysium, Los Ángeles; Fundación Beyeler, Basilea; Kaunas, Lituania, The Royal Academy of Art en Londres y otros espacios públicos, privados e independientes alrededor del mundo.
Sus exposiciones artísticas individuales se han presentado en The Hole Gallery y Fotografiska Museum en Nueva York, Never Apart Gallery en Montreal, Casa Wabi y el Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC) en la Ciudad de México, así como en residencias artísticas en Tokio, Cuba y próximamente en Marruecos.
Total look Ferragamo.
BADHOMBRE (BH): ¿Qué piensas del ascenso del artista como celebridad?
Hugo Huerta Marin (HHM): “Creo que es un arma de doble filo. Por un lado, es interesante ver cómo la vida personal de un artista, su estilo de vida y sus opiniones pueden tener influencias culturales e incluso políticas que pueden expandir una consciencia colectiva. Sin embargo, se puede perder el verdadero valor del rol del artista en la sociedad y enfocar la atención en cosas superficiales que deterioran el proceso creativo del artista”.
BH: ¿En qué momento de tu carrera te sentiste como un artista exitoso?
HHM: “Aún creo que estoy a la mitad del camino, pero si tuviera que elegir un momento, sería el verano de hace unos algunos años, cuando en un hotel en París, fotografié a Catherine Deneuve. La gente alrededor veía atónita la escena. Fue un momento que cambió la forma en que la gente y yo mismo veía mi trabajo y mi trayectoria como artista”.
BH: ¿Cuál es tu concepto de belleza?
HHM: “Un entrever al éxtasis… algo, alguien; una pintura, un paisaje, un poema, una canción, el movimiento del agua, un volcán haciendo erupción, una noche estrellada, una persona o un sentimiento que pueda producir esta sensación”.
BH: ¿Qué es lo que te inspira?
HHM: “Lo estético me parece importante. La naturaleza. Japón, su cultura y la forma que visualmente utilizan para presentar las cosas. El valor. La bondad. La resistencia en todas sus vertientes”.
BH: ¿Tienes algún sueño recurrente?
HHM: “Normalmente sueño con agua. Aguas claras, turbulentas, pacíficas, fangosas, escasas o inmensas”.
BH: ¿Qué es lo más honesto que puedes decir acerca de ti?
HHM: “Soy persistente”.
Tenis Prada.
Erick Meyenberg
Es un artista interdisciplinario que trabaja desde los intersticios entre dibujo, collage, instalación, video, performance, y sonido. Meyen-berg combina datos y estética, extrapolando metodologías arraigadas en las ciencias naturales y sociales, como parte de su exploración de ciertos aspectos difusos de la realidad contemporánea, problematizando conceptos como identidad, historia, género, raza y modernismo. Actualmente, su trabajo se ha centrado en los cruces interdisciplinarios que surgen entre el performance y el video, la literatura, la pintura y la instalación.
Además de su participación en numerosas exposiciones colectivas internacionales, las exposiciones individuales de Meyenberg incluyen: Things We Do for Love en Arte Abierto (2022); Más allá de los árboles, Museo Tamayo (2021); Erick Meyenberg: Re Mayor no es azul, en el Mu-seo Amparo (2020), Labor Berlin 2: Erick Meyenberg, Haus der Kulturen der Welt (2010); Das ist kein Fleisch! Festival Internacional de las Luces (FILUX), Laboratorio de Arte Alameda, CDMX (2013); El regreso del dinosaurio, Museo Universitario del Chopo, CDMX (2014); Un Futuro Anterior, Laboratorio Arte Alameda, CDMX y Aspirantes Proyecto Líquido : Deseo, Fun-dación Alumnos 47, CDMX (2016). Actualmente trabaja en un proyecto comisionado por la Casa Barragán.
Suéter Zegna.
BADHOMBRE (BH): ¿Qué piensas del ascenso del artista como celebridad?
Erick Meyenberg (EM): “No es algo en lo que piense o me interese”.
BH: ¿En qué momento de tu carrera te sentiste como un artista exitoso?
EM: “Cuando vi que la gente reaccionaba a mi trabajo, no sólo dando una lectura certera y emotiva de la obra, sino que también ampliaban mi propia visión del trabajo y se comenzaba un diálogo a partir de ese tercero que es una pieza.
Un momento clave para mí al respecto, fue cuando en 2008, el curador francés Oliver Debroise adquiere una obra mía para la colección del MUAC y la expone en la inauguración del museo. Las reacciones ante mi trabajo me motivaron mucho”.
BH: ¿Cuál es tu concepto de belleza?
EM: “Cuando algo te sobrecoge profundamente; puede ser cualquier cosa… desde lo infinitesimal, hasta lo astronómico. Aunque esta definición también abarca a lo terrible, quizá estén emparentados…”
BH: ¿Qué es lo que te inspira?
EM: “Encontrar un orden nuevo en las cosas. Descubrirme interesado por algún tema e indagar por qué ha llamado tanto mi atención, hasta quitarme el sueño…Últimamente, la naturaleza ha sido un motor importante en mi trabajo”.
BH: ¿Tienes algún sueño recurrente?
EM: “No recientemente, pero, desde la infancia soñaba constantemente con algo que me perseguía: una onda, como atómica, que iba destruyendo gradualmente el planeta. Creo que esta imagen la adopté de la película La historia sin fin que veía durante mi infancia”.
BH: ¿Qué es lo más honesto que puedes decir acerca de ti?
EM: “Me apasiona lo que hago, podría hacerlo sin fin. Me cuesta trabajo encontrar un límite”.
Cinturón Ferragamo. Pantalón y bolsa Bottega Veneta
Ana Segovia
Ana Segovia vive y trabaja en la CDMX haciendo arte donde podemos encontrar una constante producción de imágenes en movimiento que consiguen capturar situaciones desde su singular ojo pictórico.
Segovia hace posible el don de la ubicuidad en la pintura que, en sus manos, torna teatro, fotografía, cine y danza a la vez. El uso vibrante del color presenta escenas figurativas apelan a imaginarios culturales comunes como reconocibles arquetipos de mexicanidad y masculinidad, mismos que son inagotables fuentes de inspiración para las pinceladas del artista que con escandalosa sorna retrata.
En los últimos años ha tenido diferentes exposiciones individuales en Estados Unidos, México e Italia: Paisajes en Galería Karen Huber (Ciudad de México, 2022), Boys Ranch en PAOS (Guadalajara, 2021); Can’t Sleep with the Man who Dims My Shine en Monti8 (Latina, 2021); Pos’ se acabó este cantar en el Museo de Arte Carrillo Gil (Ciudad de México, 2021). Además, ha participado en varias exposiciones colectivas como Who Tells a Tale Adds a Tail, curada por Raphael Fonseca en Denver Art Museum (Denver, 2022); Excepciones normales: arte contemporáneo en México en el Museo Jumex (Ciudad de México, 2021); Otrxs mundxs en el Museo Tamayo (Ciudad de México, 2020).
Chaleco y pantalón Sfera.
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