Como cada año, en nuestro #ArtIssue elegimos, en conjunto con una galería, a los artistas que representen discursos acordes al cuestionamiento de la masculinidad (así como nosotros pretendemos hacerlo desde la moda) para divulgar su obra y entender los conceptos desde los que se comunican. Este año, los Ones To Watch del Arte, son curados por la galería LLANO, fundada y dirigida por Mauricio Cadena y Sergio Molina, presentando a Romeo Gómez, Israel Urmeer, Marek Wolfryd, Enrique López Llamas, Andrew Roberts y Avantgardo.
¿Cómo fue el proceso de selección?
Elegimos a seis de esta lista, partiendo de la cercanía que sentimos con el trabajo de cada uno de ellos. Todos, desde su perspectiva, cuestionan, critican y desmantelan estructuras sobre las que se basan los preceptos convencionales de género, dinámicas del mercado del arte, estructuras de clase, las aspiraciones que dan sentido al discurso en torno al lujo y los estigmas relacionados a la fármaco dependencia y la salud mental.
De izquierda a derecha y arriba a abajo: Israel Urmeer, Enrique López Llamas, Andrew Roberts, Romeo Gómez López, Avantgardo y Marek Wolfryd fotografiados por David Lobo.
Romeo Gómez López
El arte es un sistema que funciona para la construcción de identidades
Romeo Gómez López
Su obra desafía las nociones de heterosexualidad obligatorias en el arte. La visión de Gómez López sobre la sexualidad utiliza el humor y una imaginación pornográfica para mostrar una identidad resiliente. Se centra en los valores libidinales y su potencia provocadora como generadores de sensibilidad. Estudió Artes Plasticas en la ENPEG “La Esmeralda” y realizó un programa de intercambio en la École Supérieure D’Art et de Design en Tours, Francia.
Romeo es cofundador de Salón Silicón, proyecto que ha sido una mezcla de galería y colectivo artístico involuntario, asignado espacio independiente al nacer, fundado a finales de 2017 para apoyar el trabajo de artistas mujeres y miembros de la comunidad LGBTQ+. Han realizado proyectos en kurimanzutto, La Tallera, Museo Jumex, Material Art Fair y próximamente en Queer Art Festival 2023 en Vancouver.
Israel Urmeer
Como él mismo se describe: Vive en el planeta Tierra y nació en la década de los 90. Se nombra a sí mismo como investigador privado de dibujos animados. Su práctica se desarrolla principalmente en el dibujo, llevando este lenguaje a otros medios como la escultura o la animación. Basándose intuitivamente en el mundo de la publicidad, Internet, la cultura pop globalizada y la historia reciente, explora imágenes y narraciones que subyacen su identidad. Su obra es un diario público de estos mundos que consume y chocan a diario, revelando paisajes y personajes que de otra manera no podrían existir.
Su práctica se ha exhibido en lugares como: CAPC Musée d’art Contemporain de Bordeaux, Museo de Arte Carrillo Gil México, Palais de Tokyo Paris, Kurimanzutto México, Head Geneve Suiza. Recientemente realizó la residencia de Skowhegan School of Painting & Sculpture en Maine, Estados Unidos. Es parte de la fundación Biquini Wax EPS y actualmente trabaja en un laboratorio secreto con la ciberdiseñadora de prendas posthumanas Vanebon.
BADHOMBRE (BH): ¿Para qué crees que sirve el arte?
“Creo que el arte sirve como una alcancía, para sensibilizar o no, nuestro parentesco con otras especies, objetos y seres sobrenaturales de dos a diez dimensiones; experimentar estados emocionales, viajar en el tiempo para superar a tu ex, desarrollar nuevas tecnologías de la imagen, robar como algo que te permite ver de nuevo las cosas, de meme, cómo objeto de súper lujo, para decorar sets en series y películas, para nada, para alimentar inteligencias artificiales, to talk in english, para que combine con tu bolsa de Lord Voldemort y tal vez para ser mejores personas <3″.
BH ¿Para qué crees que sirve tu arte?
“Entretenimiento, abrir portales a multiversos, fondo de pantalla, storyboard para una serie de Cartoon Network, placer, tener más seguidorxs en IG, satisfacer a los nuevxs coleccionistas otakus, de repisa o separador de libros, para estampado o diseño de moda del nivel de Marvel, para (sobre)vivir en el Coca-colaceno”.
Marek Wolfryd
“El arte son objetos de lujo rodeados de sentido”
Marek Wolfryd a BADHOMBRE al preguntarle sobre el funcionamiento del arte
Cursó sus estudios de licenciatura en la E.N.P.E.G. “La Esmeralda” y posteriormente el Programa Educativo SOMA. En el trabajo de Marek Wolfryd, el artista típicamente se apropia de imágenes asociadas al mundo del arte y trabaja en colaboración con otros artistas para ampliar la comprensión, así como los límites de la autoría y la originalidad, valores que considera parte de una ficción universal. Sus obras, que emplean una poética del fair use: inherentemente reposicionan al artista como un eslabón más en la red de producción, distribución, mercantilización y consumo.
Wolfryd ve imágenes, ideas y conceptos como entidades abiertas y transformadoras, disponibles para recontextualizar y proponer nuevos universos y percepciones.
Su relación con la historia del arte, guiada por la curiosidad, a manera de nota al pie, es ambivalente y abarcadora. Sus series se enfocan en periodos históricos específicos que, al no ser comprendidos de forma monolítica, se interconectan con otros puntos de la historia, trazando un relato que colapsa pasado y presente.
Enrique López Llamas
El trabajo de Enrique López Llamas explora fenómenos actuales mediante la apropiación y reinterpretación de estrategias e imágenes provenientes de la historia del arte y su historia personal. A través de la memoria, la ficción, el humor y la nostalgia, desarrolla ideas que se traducen en medios como la pintura, video, performance e instalación. Sus proyectos se caracterizan por el interés en la especulación narrativa como herramienta para hablar de las estructuras culturales y de poder que moldean nuestros tiempos.
Licenciado en Artes plásticas por la Universidad de Guanajuato e integrante del Programa Educativo SOMA Generación 2021. Miembro del colectivo y espacio imaginario Dolores Hidalgo, ha sido beneficiario de la beca Jóvenes Creadores del FONCA y PECDA, ambas en la disciplina de medios alternativos. Su obra ha sido expuesta en México, Estados Unidos, Ecuador y Colombia.
Andrew Roberts
Andrew Roberts, nacido en Tijuana en 1995, vive y trabaja en la Ciudad de México. Ha exhibido individualmente en House of Chappaz, Valencia y Barcelona (2022); Best Practice, San Diego (2022); Pequod Co., Ciudad de México (2020); y el CECUT, Tijuana (2017).
Su trabajo se ha mostrado colectivamente en la Whitney Biennial 2022: Quiet As It’s Kept, Nueva York (2022); la séptima Bienal de Atenas: Eclipse, Atenas (2021); el Museo Jumex, Ciudad de México (2021); el Museum of Contemporary Art San Diego (2018); el Centro Cultural Universitario Tlatelolco, Ciudad de México (2018); y el San Diego Art Institute (2017). Ha exhibido de manera colaborativa en Delaplane, San Francisco (2021); y Salón Silicón, Ciudad de México (2021). Roberts es miembro activo de Deslave, un dúo curatorial y artístico.
BH ¿Para qué crees que sirve el arte?
“Esta pregunta siempre me parece incómoda porque tendemos a entender el trabajo del artista como un generador de cambio social o un productor de conocimiento, pero la verdad no creo que el arte tenga que justificar su existencia a partir de su utilidad”.
BH ¿Para qué crees que sirve tu arte?
“Mis obras generan espacios de juego y especulación”.
Avantgardo
Avantgardo (1996) es egresado del San Francisco Art Institute y cursó sus estudios de licenciatura en CENTRO. Su obra se caracteriza por conjugar distintos dispositivos culturales para trabajar con el deseo y sus manifestaciones en la cultura de consumo.
Avantgardo propone el lujo barato y el simulacro pop como conceptos para entender el papel constitutivo del consumo y el espectáculo en las subjetividades.Su proceso toma como punto de partida el readymade. En el momento actual, asume la compra como una forma de investigación sobre la mercantilización del deseo y el consumo como medio de comunicación para reinterpretar, parodiar y recrear productos como testimonio de la sociedad de consumo y la vida contemporánea. En suma, la investigación de Avantgardo explora la fenomenología predicada en el aforismo de Madonna: Cause everybody’s living in a material world and I am a material girl, you know that we are living in a material world and I am a material girl.
Su obra se ha presentado Colectivamente en: el Museo Cabañas, Diego Rivera Gallery, Walter & Mc Bean Galleries Salon silicon, Lodos, Plomo, General Expenses, Relaciones Publicas, entre otros. De manera individual en Can Can Projects, Salon Acme, y Cromatica. Fue acreedor al premio Gorrita Azul 2021 y al New Genres Award 2020 del San Francisco Art Institute.
BH ¿Para qué crees que sirve el arte?
“El arte sirve para dar prestigio y demostrar capital cultural”.
BH ¿Para qué crees que sirve tu arte?
“Mi arte expresa la condición humana en el capitalismo tardío. A través de la sátira comunica la imposibilidad de imaginarnos la realidad más allá del consumo”.
LLANO
LLANO nace en plena pandemia de 2020, fundada por Mauricio Cadena y Sergio Molina con el objetivo de dar continuidad a proyectos de artistas, cuya producción se da a partir de procesos de investigación a largo plazo y cuyo cuerpo de obra se vincula con ciencia, historia, tecnología, saberes olvidados y comunidades invisibilizadas. Los diversos proyectos que forman parte de su programa comienzan como expediciones: exploraciones directas de los contextos que fungen como fuente de inspiración e información para el artista y son el nicho natural al que pertenece su obra.
Con la idea de que el espacio expositivo evolucione y se transforme en muchos; desde un campo abierto en los techos de una antigua fábrica textil en la Ciudad de México a volcanes, selvas, desiertos, mar y montaña, subtramas urbanas e hitos históricos. Experimentar el arte desde otro lugar, literal y simbólicamente.
Realización: Francelia Bahena para BADHOMBRE Magazine
Coeditores: Mauricio Cadena y Sergio Molina
Fotografía: David Lobo
Grooming: Karla Prado
Asistente de producción: Iván Estuardo
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