Como cada año en la edición de nuestro #ArtIssue, destacamos en conjunto a los artistas que representan los discursos más relevantes del arte nacional y global. Para este 2024, la curaduría de nuestros Ones To Watch del Arte, quedo a cargo Sebastian Vizcaino de Salón ACME, presentando a: Gabriel Lengeling, Antoine Granier, Jorge Rosano Gamboa, Rodrigo Cacho y Marek Wolfryd. Artistas que con su propuesta dan cuenta del momento actual con sus diferentes acercamientos a los temas.

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Con exposiciones en Salón ACME, del 8 al 11 de febrero en la CDMX, estos artistas son la prueba de la razón por la que surgió el proyecto: una plataforma de artistas para artistas enfocada en dar visibilidad al talento emergente. A 11 años de su creación se ha posicionado y consolidado como uno de los eventos más relevantes del arte contemporáneo en México e internacional, especialmente en la Art Week en México.

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Sebastián Vizcaino

¿Cómo elegiste a estos jóvenes artistas para esta edición de BADHOMRBE?

Las cosas más fuertes del salón es la convocatoria, nos enfocamos en artistas que han estado varios años, que han sido representativos.

¿Notas en general algún tema en común en esta edición de Salón ACME?

Si, cada año te das cuenta de que está pasando porque puede ser muy político, otro año más naturaleza, a futuro o inteligencia artificial, este año hay un enfoque en nuevos futuros que incluye inteligencia artificial, pasando por todo. Pasada la selección hacemos museografía, tratando de encontrar un hilo conductor en todas las piezas, porque es muy variado.

¿Tú como representante de salón ACME? ¿Qué es lo que buscan en los artistas o la obra para que expongan aquí?

Creo que cada vez los aplicantes a la convocatoria tienen posturas más serias desde como presentan su trabajo y una carrera más sólida, aunque sean más jóvenes, cada vez se ven las generaciones más preparadas, y ha sido muy democrático el proceso con un consejo curatorial que pasa por una primera limpia, y al consejo les pasamos como 350. Nos gusta que esté variado en formatos, en diciplinas. Este año subieron como unos 20 artistas más que el año pasado. Es muy democrático ahora con el consejo.

¿Cómo crees que ha cambiado el salón en los 11 años de existencia?

He notado un cambio más maduro, y justo cumplimos 10 años (solo un año no se celebró por COVID) y entrando en una nueva etapa, una nueva directora y estamos viendo hacia donde va y los artistas que están aplicando son mucho más serios y crea como un proyecto más consolidado.

¿Tu visión como artista se refleja en la curaduría y la gestión de este proyecto?

A lo mejor no mi proyecto personal, pero si como experiencia que he tenido en otras instituciones y trabajando, colaborando con otras personas y yo creo que sí, porque es una escuela que sigues creciendo y aprendiendo.

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Gabriel Lengeling

El artista presentara en Salón ACME una edición de seis esculturas que parecen gelatinas. Una de ellas es la misma piedra del sol, pero en seis platos diferentes, diferentes sabores. Una de fresa, otra de chocolate, otra de café, otra es como de chocolate con menta.

Lo interesante de estas esculturas es que están recortadas. Ya ves como la piedra del sol es como un circulito y está simétrica, recortada como si se hubieran repartido. Como si fuera un pastel de una fiesta

¿Por qué trabajas con tanta imagen de comida?, como de postres mexicanos

Sí, son gelatinas, postres como golosinas, dulces. Lo que me interesa mucho con los postres es acercar a la gente, como a una experiencia más visceral. Entonces, cuando ves arte, pues tienes una experiencia. Lo ves, te asombras, te disgusta, te gusta. Hay como una cuestión de emociones, ¿no? Pero cuando ves un postre, hay una cuestión más visceral de antojo. Como de que hay algo que quieres consumir, que quieres comerte. Me interesa mucho esa idea de crear, como un antojo. Que es como más de querer tener eso, o más como de querer comértelo.

Y crees que tu selección de obras que replicas, o sea, las esculturas de antes y ahora, La Piedra del Sol, ¿tiene que ver con alguna investigación sobre la identidad de los pueblos o de los hombres? ¿O en realidad es nada más porque te gusta?

Quiero creer que lo que yo hago en mi arte, me evidencia quien soy desde mis evidencias y como desde mis preguntas y cuestionamientos. Las figuras las elijo ya sea por interés propio, nomás porque me gustan, o porque encuentro en ellas algo en lo que me identifican, o algo que siento que es importante mencionarlo.

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¿Hay partes de tu experiencia personal dentro de esta obra? ¿O es nada más como observar?

Pues son reflexiones, me estaba cuestionando mucho acerca como ¿Qué es lo que pasa con los artículos u objetos prehispánicos? Desde el mercado como secundario, cómo se manejan y cómo hay como un coleccionismo de estas figuras. Quería evidenciar eso, que hay gente que se le antoja esta figura, hay gente que se le antoja las figuras prehispánicas como colección. Lo cual es ilegal.

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Antoine Granier

Cuéntame, ¿qué es lo que más te emociona de lo que vas a mostrar?

Voy a enseñar tres piezas. Dos piezas que son del año pasado y una nueva que acabo de terminar. Es un objeto un poco híbrido entre pintura, escultura. Representa un personaje, como que tiene alas y adentro en su panza tiene una pintura de una ciudad que es una ciudad un poco distópica y que parece que hay un volcán en el centro que va como a explotar en la ciudad o algo así. Pasé mucho tiempo a hacerla, tiene muchos detallitos.

Para mí es como un tipo de personaje que incita a la metamorfosis, al cambio, uno que sea político, pero también trae como algo de como utopías y distopias políticas adentro en este paisaje.

Y las otras piezas, hay una que es una máscara de un tipo de flor que imprima texto, es como toda una narración que se imprima como de manera aleatoria y los espectadores son invitados a recoger, como a recuperar fragmentos del texto para llevarlo.

La otra pieza es una pieza igual como un tipo de máscara de una flor que se abre y se cierra y tiene música adentro. Esas dos piezas son parte de una serie que se llama Flor hablante y Flor acante. Y son igual tipos de oráculos que están declamando textos, poesía. La idea es de invitar a los visitantes a hacer su camino propio adentro de esa historia que cuento.

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¿Qué parte de esta obra refleja quién eres tú? Como hombre

Sí, soy hombre cis. Es la manera que me presento, pero siento como que siempre es más complejo en la intimidad personal de lo que sientes. Entonces, no sé, no me pienso mucho como hombre. Pero como persona, sí, son personajes como que son algo de las transformaciones siempre en las piezas de las mutaciones de los cuerpos con las máquinas, la naturaleza, es algo que me interesa mucho.

Cómo crees que va ahora a continuar tu obra, el discurso de tu obra como artista.

Pues, no sé, bien, ahora estoy explorando estas cosas de esas piezas interactivas,
o sea, como que, es una historia más o menos que estoy escribiendo y las piezas
son como artefactos que vienen de esta historia. Siento como que estoy siguiendo estos oráculos que imprimen más textos o como, y también hago videos que también tienen relación con esta como historia. Voy a tratar de desarrollar esto.

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Jorge Rosano Gamboa

Se presenta como un artista al que le gusta mucho trabajar con gente que está fuera del círculo del arte. En especial con artesanos, con los que ha trabajado en varias ocasiones.

¿Por qué te gusta trabajar con artesanos, en lugar de artistas?

Bueno, también trabajo a veces con colegas y todo, pero no sé, los artesanos tienen una cosmovisión como muy interesante. También hay una cosa un poco, este, como esta cosa de la artesanía y el arte, como este divorcio entre las prácticas. Sí. Y como que, o sea, me gusta el proceso diferente.

A nosotros, como artistas, vives todo en el medio, ¿no? A veces estamos como muy ensimismados tanto en cómo produces, con quién produces, en dónde vendes, tal. Y ellos, pues, están en otro, en otro rollo y es como bastante refrescante. Te cambia un poco el, la, la visión y el chip.

Lo que estoy entendiendo es que probablemente el discurso es un poco distinto versus un artista y un artesano.

Pues, sí, o sea, son prácticas creativas. Los artesanos, vienen como de algo que viene del, del papá, del abuelo. ¿Sabes? Viene como, como hacia atrás, a veces desde tiempos prehispánicos. Entonces, pues eso es como, bueno, interesante. México es riquísimo en el mundo de la artesanía. Como soy de provincia, de Tepoztlán, por ahí les llego y compartimos ideas, vivencias y se crean piezas en colaboración o, o ellos parten con un ideal o yo la termino.

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La obra de obsidiana que hiciste con los artesanos, ¿Cuál es el discurso de esa obra?

Esa pieza estuvo linda porque es como piedrota de obsidiana que tiene una máscara invertida, cóncava. Era un poco una idea que tiene que ver con una, con la cosmovisión prehispánica que es como una, uno de los tantos niveles de existencia, digamos, que hay como en esta cosmovisión.

Hay uno que es como de agua y obsidiana. Entonces, la pieza es una, piedra que tiene la máscara cóncava y luego tiene agua. Hay momentos en los que no sabes dónde están los, los reflejos, ¿no? De si es obsidiana o es agua.

Tiene ahí una cosa justo como de, como de un universo que está como entre un lugar y otro y eso es, eso es algo de la cosmovisión prehispánica que, como que hay muchos universos que viven al mismo tiempo.

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Rodrigo Cacho

Cuéntame ¿Qué vas a enseñar aquí en Salón ACME?

Es una pieza escultórica. De una serie que hice el año pasado y que trata mucho de las, como acción-reacción. Como esta parte instintiva del cerebro. Hay una teoría en los años 60 que habla justo de una metáfora de cómo se forma el cerebro, entonces tienes la parte del cerebro reptiliano, que es un cerebro muy antiguo y básico, y que lo único que hace es hacer la reacción lo más eficiente posible.

La idea de estas piezas es hacer un recorrido entre esta primera parte primitiva del cerebro y luego ya las partes más complejas, que son más humanas. Y  es como un experimento de interacción entre el observador y la pieza.

Es una pieza que tiene dos elementos. Uno son las piedras y el otro son las piernas que están saliendo debajo de ellas. Entonces, son dos elementos muy comunes que vemos todos los días, pero en un contexto distinto. Y la idea es justamente ver qué tipo de reacción genera en cada uno.

¿Qué reacción quisieras que genere?

Ah, no, eso no es importante, la reacción que se tenga, sino que se tenga una reacción, y también la idea de este viaje de la reacción, de la reacción al procesar ya la pieza. Porque hay siempre este instante, ¿no? De lectura inmediata de algo y ya después hay algo que ya influya más tu propio pensamiento. Pero primero es instintivo, como muy del cuerpo de acuerdo cómo se siente tu cuerpo.

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¿Y era tu intención reflejar o esta universalidad de los cerebros humanos o tu experiencia personal?

No, sí, humanos definitivamente. Más universal, porque yo de chico quería, primero ser paleontólogo, después quería ser psicólogo. y esta serie que estoy haciendo, me ha dado un poco de la unión de esas dos cosas: una parte de muy animal, y la otra más de un estudio de la psique humana.

En algún momento esta línea antropológico-psicológica va a estar más reflejada en tu identidad personal o no en la universalidad. Definitivamente al final todo es muy autobiográfico. Sí, aunque yo diga que sea universal es muy autobiográfico.

¿Y cómo se refleja eso?

Pues es muy, muy irónico porque es humor negro entonces pues así me representa por esta dualidad de una situación como catastrófica que igual tiene un lado cómico entonces esa sería la conexión.

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Marek Wolfryd

Como artista no me interesa hablar de mi vida particular, sino que me interesan los grandes relatos, que se desenvuelven justo microhistorias. Mi trabajo no tiene que ver mucho con cosas personales, pero digamos que la sociología y la historiografía sí.

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En los últimos tres años he estado muy dedicado a esta investigación a partir de configurar el valor de la autenticidad y de cuestionarlo de cómo se conforma desde occidente en contraposición de otras historias del arte y en particular me he clavado mucho en la historia del arte del lejano oriente en donde no existe en su vocabulario la palabra original o la palabra, copia simplemente no están en su conformación social y cultural.

¿Crees que es más general justo como tu obra?

No quisiera hacer este un juicio de valor respecto a lo que yo creo, pero más bien me interesa cómo eso se contrapone con nuestra visión y con occidente que es muy importante para nosotros esas nociones porque están relacionados al mercado y esa es donde se conecta como la parte de la economía, del peso que tiene lo original, que es lo que en muchas ocasiones le da el valor a las cosas.

En Salón ACME estará una pintura basada en una fotografía de una artista que se llama Luis Loller que fotografía obras de arte en contextos no expositivos. “Esta en particular es una fotografía de un fragmento de una pintura de Jackson Pollock en un mueble donde se aprecia también una especie de tibor de porcelana muy pequeño y luego la misma artista modifico su fotografía de una foto de rollo análogo a color a una edición digital donde solo se ve el trazo de la foto. Entonces es una pintura de esa fotografía”.

Mi interés no es directo en la economía, sino en cómo funciona el arte y la cultura, y en este momento creo que es esa función económica en la que estoy más interesado en este momento, en otros ha sido la historia, las instituciones. Voy avanzando en cosas que van apareciendo.

Realización: Juan Pablo Jim / Rebeca Mora

Entrevista: Juan Pablo Jim

Fotografía: Arturo Cerón

Grooming: Tania Palomino

Locación: Proyectos Publicos Prim

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