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Jerónimo Rüedi y la universalidad de la percepción

Jerónimo Rüedi y la universalidad de la percepción

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La obra de Jerónimo Rüedi (Argentina, 1981) es una investigación continua sobre los procesos de significación. Alejándose de los mecanismos de representación históricamente consensuados, su obra se centra en el desarrollo de un imaginario crudamente personal de la experiencia prediscursiva.

Juan Pablo Jim: ¿Estás acostumbrado a que te tomen fotos?

Jerónimo Rüedi: No, no tanto. Debería de estar acostumbrado, pero me siento raro.

JP: ¿Tu cuerpo para ti no es una manera de expresar tu obra?

J: La obra tiene mucha relación con el cuerpo, en el sentido de que todo lo que hago con marcas y huellas. En general creo que la pintura es un poco eso; el encuentro entre el cuerpo y el lienzo, y la marca del momento en el que se encontró con ese lienzo. Encuentro de temporalidades: tú miras el lienzo y lo que miras del lienzo son las marcas que hizo una persona hace 600 años. Sí trabajo mucho con el cuerpo, pero nunca con la observación de un tercero.

JP: Creo que muchas veces que los artistas consideran su obra parte de sí mismos, parte de su cuerpo. ¿La observación de un tercero de tu obra no es como si el tercero estuviera viendo una parte de ti?

J: Sí, pero  en ese momento saco a mi cuerpo de la ecuación porque yo termino la obra. Obviamente será una parte de mí, pero ya no estoy yo físicamente. Tengo una cierta envidia a los músicos por la inmediatez que tienen entre lo que están haciendo (su arte) y su resultado. La pintura es al revés: puedo estar haciéndola un mes, y el tiempo promedio de observación de la obra es de 10 a 15 segundos. Eso los museos lo tienen bien estudiado.

JP: Algo de lo que me interesó cuando conocí tu obra, fue el uso de capas. Me estabas explicando que es como una persona que tiene un pasado y a veces lo intentas borrar, pero siempre estará ahí.

J: Lo de las capas y lo de que la marca quede, tiene que ver con un compromiso con la transparencia, a nivel metafórico y físico. Siempre tengo que estar lidiando con lo que ya pasó, con las marcas que hay de antes, tu pasado. Esa transparencia te lleva a un nivel, donde no estás ocultando nada, ni poniendo un filtro. Es una transparencia de mí hacia el espectador.

Mi obra tiene que ver con una voluntad de intentar de decir lo indecible o pintar lo irrepresentable. Cuando uno elige el tema de una pintura, son objetos del mundo exterior y lo que intento pintar yo es, pues todo eso que no se puede nombrar. Es la parte compleja de la existencia; ese paisaje mental espiritual que no se ve.

JP: ¿Cómo lo pasas a palabras o formas?

J: ¡Ahí está el problema! Por eso hago cosas que parecen lenguaje y no son, por que siento que lo que quiero expresar es lo que no se puede escribir o pronunciar; entonces para ser consecuente con el objeto de estudio, tienes que romper el lenguaje y hacer un lenguaje no convencional.

JP: Pero eso no hace que no exista.

J: No hace que no exista y ahí hay opuestos, es buscar en el sin sentido el sentido absoluto. Es como la búsqueda de un lenguaje que sí alcance ese más allá.

JP: Como existe, estás intentando de nombrarlo de alguna manera.

J: Los límites del lenguaje son los que marcan el límite de nuestro mundo. Si rompemos los límites del lenguaje podemos romper los límites de cómo percibimos la existencia y si ese lenguaje no nos alcanza, pues hay que romperlo o llevarlo más allá.

JP: Yo creo que todo lo que me dices es súper introspectivo. La realidad que plasmas en tu obra no existe más allá de tu interior y seguramente es irreplicable en experiencias de otras personas, por que viene de ti.

J: Justo la idea, por lo que te decía antes, siento que cuando empiezas a investigar mucho un tema llegas a conclusiones opuestas y se tocan. Mi idea es mediante lo íntimamente particular llegar a lo universal. Hay este error de fábrica, la creencia de que somos únicos. En realidad, cuando tú te enamoras sientes lo mismo que yo.

Rüedi ha sido artista residente en el Museo Experimental El Eco, ha participado en la XVIII Bienal de Pintura Rufino Tamayo, y ha expuesto como parte de la muestra Desafío a la estabilidad, procesos artísticos en México 1952-1967 en el Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC). Su obra ha sido expuesta en el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca (MACO) y en el Museo Tamayo, así como en ferias y galerías de España, Alemania, Estados Unidos y México. Recientemente ha publicado tres libros, The Stuff Dreams Are Made Of (2017, ed. Macolen), Colorless Green Ideas Sleep Furiously (2020, Gato Negro Ediciones) y Salones de Belleza, 2021, editado por Gato Negro en coedición con Wolfman Books, Aeromoto & UNAM.

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